ART NOUVEAU

El Art Nouveau (arte nuevo), denominación utilizada en Francia y Bélgica, fue un estilo innovador que surgió entre finales del siglo XIX y principios del XX. Se le dio este nombre cuando Samuel Bing, distribuidor de arte, inauguró su nueva galería L’Art Nouveau. La influencia más importante en este punto geográfico fueron las curvas ligeras y fluidas del Rococó del siglo XVIII.

Este estilo decorativo que influencio fuertemente en todo el mundo, invadió todas las artes del diseño, como la arquitectura, el mobiliario y el diseño grafico y de productos. Algunos objetos y plataformas donde se desarrolló este estilo fueron carteles, paquetes, anuncios, vajillas, cerámicas, textiles, ilustraciones de libros, sillas, y casas, entre otros.

La gran gama de objetos en las que el Art Nouveau estuvo presente no deja de ser un detalle de suma importancia, debido al trasfondo social que esto representa, debido al gran número de personas que lograba tener acceso a objetos totalmente cotidianos que reunían características de total asequibilidad para la población, complementado con un valor estético alto. Esto se denominó “la democratización de la belleza”.

Este fenómeno también se pudo observar en 1881, cuando una nueva ley francesa permitió eliminar restricciones de censura logrando que los carteles de los artistas y diseñadores de la época pudieran ser expuestos y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de clase social. La popularización del cartel trajo consigo una floreciente industria que aumentó las ganancias de diseñadores e impresores.

La importancia del Art Nouveau, radica en un fuerte cambio de mentalidad hacia la innovación en el arte y el diseño ya que su concepción fue incentivada por un profundo espíritu emprendedor, en rechazo a los añejos y decadentes estilos que gobernaron gran parte del siglo XIX. El historicismo ecléctico que de forma aduladora promovía y defendía la utilización de las formas y estilos del pasado rechazando la invención de nuevos parámetros que permitiera la entrada a un nuevo flujo creativo. El también llamado modernismo jugó un papel fundamental en la transformación y evolución del arte, siendo la raíz de estilos y movimientos tales como el abstracto y el surrealismo, también en la arquitectura y el diseño tanto industrial como gráfico en el siglo XX. Se puede decir que fue el primer peldaño para un nuevo movimiento moderno, que asentó las bases para una nueva forma de pensamiento hacia diferentes expresiones.


CARACTERISTICAS E INFLUENCIAS

El Art Nouveau se caracteriza por su clara imitación o inspiración en lo natural, en la naturaleza, en lo orgánico y en lo vegetal. Debido a lo anterior, sus líneas se caracterizan por ser onduladas y curvas. Su línea puede ser comprendida como la fuerza ondulante de un latigazo y a la vez al fluir de forma elegante y delicada. Los motivos más frecuentes que se suelen ver en este estilo son las flores ( rosa y lirio), aves ( especialmente pavorreales) y figuras femeninas.

La formación de este estilo no se suscribe a un país o ciudad específica, tuvo variados focos de evolución. En Inglaterra se llamo Modern Style y fue fuertemente influenciado por el movimiento Arts & Crafts (Artes y oficios) fundado por William Morris en 1861. El “Modern Style” revaloro los fundamentos de este movimiento, donde se plantea la necesidad de mejorar la calidad de los diseños hechos en serie por la industria.

Otra influencia importante, que en primer grado afectó al Arts & Crafts y desde este al Modern Style o Art Nouveau fue una corriente del arte denominada como Pre-rafaelistas que consistía básicamente en la exacerbación del fervor religioso.
En Austria se llamo Sezessionstil o separatismo vienes, este se convirtió en un movimiento contrario al Art Nouveau de tipo floral reinante en Francia y Alemania prefiriendo los letreros limpios y legibles.

En Alemania se escuchó como Jugendstil “estilo joven” nombre tomado de una publicación periódica llamada jugend. Tuvo una fuerte influencia francesa e inglesa pero conservo los vínculos con el arte académico tradicional y su interés por la forma de letras medievales.
En Italia fue el Liberty-Floreale puesto así por la tienda de departamentos Liberty y compañía. También se nombro como Modernisme o Estil modernista en Cataluña.


DISEÑO GRAFICO Y ART NOUVEAU

El punto de encuentro entre diseño gráfico y Art Nouveau de desarrolla básicamente en producciones literarias y cartelismo de mediados y fines del siglo XIX.
La producción de piezas literarias dejaba mucho que desear, herencia de la revolución industrial que promovió la producción en masa y de bajo costo. En respuesta a esta tendencia el inglés William Morris (1834-1896) guió al movimiento de las artes y oficios a desarrollar métodos de producción que revaloraran el diseño con el regreso a la destreza manual. Otro personaje importante que inspiró la filosofía de este movimiento fue el escritor y artista John Ruskin (1819-1900) que rechazó la economía mercantil que gobernaba alentando el arte, argumentando que las cosas bellas eran valiosas y útiles.

El cartel fue otro medio Gráfico muy utilizado en Francia y posteriormente en toda Europa, tuvo una importancia especial en lo comercial debido a que su utilización muy explotada en lo publicitario sirvió para dar a conocer distintos espectáculos, eventos culturales y productos que eran consumidos en la época.

Un nombre importante que desarrolló el formato cartelero fue Jules Cheret (1836-1933) aclamado como el padre del cartel moderno. Innovó al introducir el cartel visual, dejar de lado los carteles tipográficos con escasas ilustraciones y evolucionar a la litografía inglesa a color que en ese momento mostraba un mayor adelanto tecnológico. En la década de 1880 utilizó una línea negra con los colores primarios: rojo, amarillo, y azul logrando una vitalidad gráfica de efectos y colores brillantes de composición informal. Sus influencias artísticas fueron la belleza idealizada y el estilo de vida alegre expresando energía y movimiento. Cheret fue reconocido por crear una nueva rama de arte que promovió la imprenta y la publicidad de productos y espectáculos, aportando al desarrollo del comercio y la industria.

Otro exponente fue el suizo Eugene Grasset, tuvo un logro muy importante en diseño gráfico gracias a la publicación de L’Histoire des quatre fils Aymon (historia de los cuatro hijos Aymon) de 1883, diseñado e ilustrado por él, utilizó un proceso de foto relieve a color. Él aportó con ideas importantes que fueron asimiladas rápidamente como el integrar ilustración y texto como unidad y agregar ribetes decorativos que enmarquen los contenidos. También recibió encargos de carteles mostrando en ellos doncellas esbeltas y altas que visten ropones sueltos y largos en poses estáticas, publicitando productos como chocolates y cervezas. Su estilo se basa en dibujos de contornos negros gruesos con fondos a color. Su composición era formal ocupando colores de baja intensidad, contrastando con el estilo de Cheret.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) sentó nuevas bases en el diseño de carteles gracias al cartel La Goule au Moulin Rouge de 1891 donde se ilustraba la vida nocturna de cabarets y burdeles de París (la belle epoque) donde observó y dibujó este ambiente que frecuentaba. En el se dejan ver superficies planas, siluetas de espectadores en penumbras, óvalos amarillos y ropa interior blanca de bailarinas de cancán.

Alphonse Mucha (1860-1939) Su trabajo tomó renombre gracias a un hecho fortuito ocurrido en la Navidad de 1894, cuando se le encomendó el diseño de un cartel para promocionar la obra teatral Gismonda de la famosa actriz Sarah Bernhardt.
Se inspiró en la pose básica del cartel de Grasset, alargó su formato y recurrió a mosaicos bizantinos. El resultado fue una gráfica totalmente nueva y diferente que se diferenciaba de trabajos anteriores. Luego de esto, el estilo de Mucha fue considerado como la manifestación más representativa del Art Nouveau donde se dejan ver cada uno de los elementos más representativos de este estilo siendo estos una figura central femenina rodeada de formas sinuosas de origen vegetal.

El Art Nouveau, como cualquier tendencia cayó lentamente en decadencia, después del fin de siglo, donde los resultados obtenidos eran de una notable baja calidad de diseño, debido al aumento en la demanda generando grandes cantidades de mercancía y gráficos con bajas normas de diseño llegando incluso a prescindir de los servicios de diseñadores.



ART DECO

El Art Deco, surge específicamente en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en el año 1925 en París. Su utilización estuvo presente en una gran gama de objetos, ambientes y soportes tales como el mobiliario, joyería, diseño de interiores, cerámica y gráfica.
Su formación histórica se debió gracias al desencadenamiento de movimientos artísticos que se desarrollaron en las primeras décadas del siglo XX en Europa, como lo fue el cubismo, el futurismo, el dadaismo y el constructivismo, bajo un contexto extremadamente turbulento en lo político, social y económico dado por las guerras mundiales, sumado a los avances tecnológicos y a una sociedad cada día mas industrializada. Este escenario hizo que las artes visuales fueran permeadas, no quedándose al margen de estos acontecimientos que la influenciaron provocando una profunda revolución creativa de parte de los artistas de la época.

Este estilo toma distancia, revelándose a otras corrientes y movimientos artísticos del pasado caracterizados por representaciones realistas y sentimentales de líneas sinuosas imitativas de la naturaleza, como lo fue el Art Nouveau y el arte renacentista, el caso de este último fue especial, debido a su extensa influencia de cuatro siglos en las corrientes artísticas pictóricas.


Características e Influencias

En el Art Deco las imágenes naturales convencionales, son reducidas a formas geométricas básicas como el cubo, el cilindro, la esfera y el cono, además de tener influencias de la escultura africana, esto como herencia del movimiento denominado, como cubismo que tuvo como punto de partida a Les Demoiselles D’Avignon de 1907, del afamado artista Pablo Picasso, que a su vez siguió los postulados del pintor posimpresionista Paul Cezanne planteando el uso de formas geométricas para representar la naturaleza.

Otro movimiento importante en la concepción del Art Deco, fue el futurismo que rechazó la estética tradicional basándose en temas de la vida moderna como la industria, las máquinas, la tecnología, el movimiento y la velocidad. Su mentor fue el poeta italiano Filippo Marinetti que recopiló y publicó el manifiesto del futurismo en 1909, donde se hablaba de la belleza de la velocidad y, de que una obra sin carácter no merece llamarse obra de arte.
Con este movimiento también nació un nuevo tipo de diseño tipográfico llamada “tipografía libre” esta revolucionó la tradición clásica, animando sus páginas con una composición dinámica no lineal convirtiendo la escritura en formas visuales concretas.

El dadaismo también fue un movimiento que con carácter y actitud contestadora, logró llamar la atención e influir en el Art Deco. Este movimiento consistió en un espíritu liberador que se rebelaba contra los cánones y tradiciones establecidos, buscando así la libertad total permitiendo el enriquecimiento visual. Sus métodos artísticos eran catalogados como absurdos e irracionales como mostrar un orinal y decir que es una escultura artística o el dibujar bigotes a una reproducción de la Mona Lisa, un ataque directo contra los valores estéticos del momento buscando además, remover las mentes estancadas del público.

Detrás de este aparente liviandad que no hacía mas que burlarse de la sociedad, hubo dadaistas que lograron producir un arte visual significativo que aportó nuevas ideas al diseño gráfico, fue así como a través de la manipulación de imágenes fotográficas los dadaistas afirman haber inventado el fotomontaje. Algunos exponentes fueron Raoul Hausmann, Hannah Hoch, y Kurt Schwitters, este último destacó por sus collages realizados con papel usado, desperdicios, y materiales fusionados para componer color, forma y textura. También surgieron dadaistas berlineses como Jhon Heartfield, Wieland Herzfelde y George Grosz que asumieron fuertes convicciones revolucionarias dirijiendo su arte hacia un fin que buscaba promover el cambio social, la conciencia publica y la comunicación social. Jhon Heartfield tomó una fuerte postura contra el militarismo alemán ocupando la técnica de foto montaje como un medio de propaganda contra la expansión del partido nazi, siendo estos unos de sus blancos favoritos de ataque en carteles, ilustraciones y otros medios gráficos.

Los conflictos bélicos y la revolución rusa trajo una vez mas como consecuencia, como ha ocurrido en otros casos, una estimulación del arte y la creatividad ejerciendo una influencia en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX en Europa.
Los artistas absorbieron las ideas del cubismo y futurismo para luego crear sus propias ideas e innovaciones. En nombres como Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko y Lissitzky fue, donde las bases del contructivismo se formaron y enfocaron hacia el rechazo de un arte vacío, totalmente inútil que no prestaba ningún servicio que permitiera la solución de distintos problemas. Es así como estos artistas evolucionaron hacia la creación de proyectos que satisficieran las necesidades de la comunidad trabajando en proyectos que prestaran de forma útil y funcional, un fin especifico que cumpliera alguna finalidad practica. Este movimiento que tuvo una profunda influencia en el diseño gráfico se enfocó entre otras cosas en la tipografía, en la fotografía y el fotomontaje, su estructura se enfocaba en la precisión geométrica y en áreas amplias de colores puros.
De esta forma podemos describir al Art Deco como un estilo de formas geométricas, de colores planos y limpios donde la máquina, la velocidad y la energía son sus temas predilectos.